Decía el gran Leonardo Da Vinci que la pintura es poesía muda. Eso lo sabe muy bien el escritor y pintor Salvador Moreno Valencia, afincado en Fuengirola, que es capaz de unir poesía y pintura con una sencillez casi mística. Dirige www.alvaeno.com, espacio para pintores y escultores. Publica sus obras virtualmente, porque como él bien dice hay que deshacerse de los libros escritos, en el cajón suelen crear conflictos que enfrenta a los personajes.

¿Pintar es una necesidad, una virtud, una pasión, una enfermedad o todo a la vez?

     Un profesor de Arte que tuve me dijo: ‘Salvador acabas de probar el veneno por el cual estarás condenado’ refiriéndome a mis inicios en el mundo de las Artes Plásticas; y en realidad tenía razón, porque pintar, a parte que sea o no una virtud (el virtuosismo se puede adquirir con la practica), es la enfermedad que se crea a partir de la pasión que genera esa ansiedad por plasmar sobre un soporte material ese mundo de las ideas, que diría Platón. Es, a modo de comparación, como el amor: una enfermedad al fin y al cabo contraída por ser apasionado y por tener la capacidad a la que se le llama virtud.

Noche, día, vida, soledad, evolución, sueños, libertad, éstas son las claves, que dicen de ti para definir tu obra  y que abogas por la interrelación de la elaboración plástica con el universo emotivo de la poesía. ¿Esa simbiosis es posible?

En las Artes Plásticas están presentes la música y la poesía, en mi vida también, luego en mis obras, que son el reflejo de mis vivencias, existe esa simbiosis, porque el cuadro es una parte de mi vida y mi vida es: noche, día, soledad, evolución, sueño, y libertad, pero también es esclavitud, sufrimiento, felicidad… 

Deteniéndome en cada lienzo tuyo uno tiene la sensación que en ellos reina una  fuerza interior sin mesura, una personalidad propia y un sabor a

 veracidad que transmite mucha sabiduría.

Cada espectador puede sentir una sensación diferente al contemplar una determinada obra; en mi caso no me ando con rodeos a la hora de pintar porque lo que prima en mí mente en esos momentos es sacar de ella todo lo que siento, por ello, quizás, cause esa sensación, porque soy honesto con mi obra igual que con mi vida, soy consecuente con mi pensamiento a la hora de crear y vivir. 

Dicen de ti que tu trabajo se asemeja en la concepción de los colores y las formas al maestro Van Gogh. Da vértigo la comparación, ¿no te parece?

Cuando leí esa comparación no sólo sentí vértigo, además miedo, aunque el primero está asociado al segundo, ambos pueden existir por separado, pero yo los sentí unidos; y fue entonces que me decidí a cambiar de estilo. Mi faceta impresionista quedó relegada a un par de exposiciones en la década de los 90. Pero sin duda tengo la certeza de que jamás podría igualar al gran maestro del impresionismo.

¿Tú crees que el silencio es para un artista  como el primer lienzo en blanco, donde expresar sus ideas y donde germina esa soledad fértil para luego crear una obra?

En el silencio están definidos para mí todos los misterios de la creación, en el lienzo en blanco intento buscar las respuestas a esos misterios; y en la soledad del primero y del segundo encuentro la paz interior que precede a la batalla: la obra es la voz del silencio en la soledad: ‘El Grito’ que Munch interpreta. 

Las ideologías en cierto modo, también nos esclavizan. Quizás lo único libre que exista sea la creatividad. ¿Estás de acuerdo?

No, la creatividad puede que se vea como la única forma de libertad que existe en un ser humano, pero la creatividad, lejos de liberar esclaviza, los seres creativos suelen padecer una de las peores enfermedades que existen: la in-adaptación. Ser creativo te convierte en un esclavo de tu creación.  

Por desgracia, no todos los creadores pueden vivir del arte. ¿Estamos pues ante una sociedad mediocre y burocrática, en la cual sólo hay algunos cuantos elegidos?

El gran pintor Antonio López, dijo que era una pena que tantos genios se quedaran en la cuneta, sin llegar a ser conocidos, y mucho menos reconocidos por la crítica oficial, o por la sociedad, que a la postre consume lo que dicha crítica y sus mercachifles dictaminan que ha de consumirse: qué artistas están de moda, y qué artistas son una buena inversión. Adentrándonos un poco el la Historia del Arte ésta está plagada de grandes Artistas que murieron en la más absoluta miseria, y otros tantos que quedaron relegados a un papel secundario al respecto de sus contemporáneos de éxito, cuando sus obras no tenÍan nada que envidiar a la de éstos.  

No me gustaría finalizar sin mencionar que has sido el alma matter de la primera edición del Fuengirola Art. ¿Cómo valoras el evento?

Fuengirola Art, nos ha costado un año de trabajo, pero el resultado ha sido satisfactorio (bien es sabido que nunca llueve a gusto de todos), debo ser honesto, pero el resultado final, con sus excepciones, como ya he citado, ha sido muy bueno. La respuesta de los Artistas participantes ha sido excepcional. El espacio era una Villa construida a principios del siglo 20, algo peculiar en un lugar como Fuengirola donde este tipo de construcciones están desapareciendo, o han desaparecido por completo.
Debo decir que Fuengirola Art no ha sido una Feria de Pabellón y Stand multitudinaria avalada por el Ministerio de Cultura ni otro organismo oficial o perteneciente al Estado, sino un Encuentro de Arte Independiente con la única aportación económica de los participantes, donde Artistas Plásticos, Escritores, Músicos y Espectadores, se han dado cita para dar sentido, o más bien para vindicar ese lado Bohemio, ese lado Humano, ese lado de Hermanamiento que existe el el mundo de la ARTES.

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